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Sep 13, 2023

Doc captura el sabor de 'Taylor Mac's 24

Una mirada conmovedora a una obra emblemática de un brillante artista queer Publicado en Por Si desconoce el nombre Taylor Mac, podría evocar imágenes de alguna diva del pop incondicional, conocida por su

Una mirada conmovedora a una obra emblemática de un brillante artista queer

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Si desconoce el nombre de Taylor Mac, podría evocar imágenes de alguna diva del pop incondicional, conocida por su fiereza de decir las cosas como son y su voluntad de sumergirse en su vida personal en busca de material, y en verdad. , no estarías del todo equivocado.

Mac, quien concibió, escribió y realizó la actuación épica en el centro del documental homónimo de HBO “Taylor Mac's 24-Decade History of American Popular Music”, es ciertamente difícil de clasificar con precisión, aunque se podrían usar cualquier número de etiquetas: actor, dramaturgo, artista de performance, director, productor, cantautor, para describir lo que hace Mac. Con la misma facilidad, uno podría invocar sus numerosos honores y reconocimientos (ganador de la beca “Genius” de la Fundación John D. y Catherine T. MacArthur, finalista del Premio Pulitzer, nominado al Tony) para transmitir lo bien que hace lo que hace. En realidad, ninguna de esas designaciones torpes y generalizadas transmiten quién es Mac o qué crea Mac, lo que podría entenderse más acertadamente como una mezcla que se une, según sea necesario, para crear algo mayor –o al menos, más provocativo– que la suma. de sus partes.

Desafiantes, nítidas en sus observaciones y comentarios sobre la cultura estadounidense, y deliberadamente confrontativas, las obras y actuaciones de Mac también están plagadas de absurdo, centrándose en una vena cómica y engañosamente cursi mientras deconstruyen las actitudes sociales que alimentan gran parte de nuestra cultura contemporánea. guerras culturales”. En ningún caso (al menos hasta la fecha) los dones de Mac se han destilado tan liberalmente en el tejido de una actuación en vivo como en el proyecto “24-Decade History”.

Creada en colaboración con el director musical Matt Ray durante aproximadamente una década, fue una obra maestra que se representó según lo previsto (como una experiencia teatral inmersiva de 24 horas frente a una audiencia en vivo) solo una vez, en St. Ann's Warehouse en Brooklyn en 2016. En parte arte escénico, en parte espectáculo teatral, en parte concierto, ofreció una visión alternativa de la historia de EE. UU., narrada a través de música que fue popular en la cultura estadounidense desde su fundación en 1776 hasta 2016. Construido sobre impresionantes y poderosas actuaciones musicales y salpicado de sorprendentes y una interpretación histórica reveladora, así como bromas cómicas e interacción con la audiencia que trasciende la forma, tejió una narrativa compilada "entre líneas" de la historia común, exponiendo cosas como la intolerancia casual en el corazón de muchas de las primeras canciones populares de Estados Unidos. y la misoginia y homofobia que ha seguido impregnando su música hasta el día de hoy; se dedicó una hora a cada década, con Mac ataviado con un elaborado traje nuevo y específico de la era, diseñado por su colaborador Machine Dazzle e incorporando referencias humorísticas a la vida estadounidense en cada una de las 24 décadas cubiertas en el programa, para cada una; cada hora, uno de los 24 músicos en el escenario abandonaba el escenario, hasta que Mac, solo y sin compañía excepto por un ukelele, se quedaba solo para interpretar canciones originales durante la última hora. Fue un evento electrizante en el que "tenías que estar allí", un verdadero hito en el teatro estadounidense que le valió a Mac los premios Tony y Pulitzer antes mencionados, pero a menos que fueras parte de la multitud en St. Ann's Warehouse durante esas 24 horas. rendimiento de maratón, nunca podrías “estar ahí” tú mismo.

Ahora, gracias a HBO (y Max, donde el documental se transmite actualmente para suscriptores), al menos puedes acercarte. Dirigido por Rob Epstein y Jeffrey Friedman, quienes también produjeron, “Taylor Mac's 24-Decade History of American Popular Music”, ofrece la oportunidad de experimentar el espectáculo en todo su esplendor subversivo y extrañamente conmovedor, o al menos, unas “Notas del acantilado”. ”Descripción general de sus aspectos más destacados, con el tipo de intimidad cercana y personal que ni siquiera aquellos que lo vieron en vivo experimentaron. Intercalado con imágenes de entrevistas de Mac, así como de los colaboradores Ray, Dazzle, el codirector de escena Niegel Smith y otros, proporciona información sobre las decisiones técnicas detrás de escena que estaban orientadas a mejorar y amplificar los temas del programa, pero aun así encuentra mucho tiempo para documentar las magníficas actuaciones musicales de Mac y otros músicos, como las cantantes Erin Hill, Steffanie Christi'an, Heather Christian, Thornetta Davis y Anais Mitchell, entre otros, sin mencionar la orquesta de 24 integrantes del espectáculo y un gran cantidad de miembros de la audiencia sorprendentemente cooperativos.

Por supuesto, no puede considerarse un sustituto de ver toda la producción de 24 horas, que fue recreada en segmentos de seis horas (las imágenes de algunos de ellos se utilizaron en la película junto con el material filmado durante la producción original) para una posterior película nacional. gira después de la actuación de St. Ann. Aun así, logra mejor que la mayoría de los documentales de performance capturar la energía eléctrica de una actuación en vivo de alguien tocado por el genio, como seguramente lo es Mac, lo que en última instancia sirve al verdadero propósito de la película al documentar una visión queer de la historia que la heteronormativa " "la corriente principal" preferiría permanecer enterrada.

Aquellos que podrían objetar las pepitas de conocimiento bien investigado y la interpretación contemporánea que Mac teje en la trama de su actuación probablemente se encuentren entre aquellos que se sienten confundidos por el pronombre preferido de la estrella –que es “judy”– y no del todo abiertos a el tipo de presentación que usa judy para transmitir su punto de vista. Sin embargo, la audacia con la que Mac infunde la personalidad escénica de Judy rápidamente elimina las nociones de "inapropiado" o "lascivo" para dejar en claro que la intención de Judy es simplemente aullar la verdad del mundo de Judy tan fuerte como lo ha hecho Judy, y si parte de ella hace que algunos conservadores del medio oeste se aferren un poco más a sus perlas, bueno, eso parece mucho mejor dada la agenda claramente expresada de Mac.

Esa agenda, tal como la estableció el talentoso Mac desde el principio, es para recordarnos que nuestra historia como estadounidenses está en la historia de nuestras canciones, y que es una historia moldeada por los desvalidos y los forasteros que vieron una visión de un mundo mejor más allá. las mentalidades tóxicas y las jerarquías sociales que impiden que muchos, si no la mayoría, de los seres humanos logren algo parecido a la verdadera libertad promocionada por los antepasados ​​de nuestra nación en sus años de gestación. "Me encanta la idea de que un cuerpo queer pueda convertirse en la metáfora de Estados Unidos", le dice Mac a la cámara (y al público en vivo), y procede a recordarnos que es el sentido de comunidad, de necesidad compartida, lo que nos comunica a través del paisaje musical forjado por nuestra cronología nacional.

Por supuesto, el documental, que ofrece una poderosa muestra de las carismáticas y talentosas habilidades interpretativas de Mac y compañía con canciones desde “Yankee Doodle” y “My Old Kentucky Home” hasta “Gimme Shelter” y “Born to Run”, también es tremendamente entretenido. , y eso tampoco es malo. En cualquier caso, es un documento conmovedor y memorable de una obra emblemática de uno de los artistas queer más brillantes de Estados Unidos, lo que lo hace esencial para ver en lo que a nosotros respecta.

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Cuando eres Barbie, todos los días son perfectos. Puedes hacer lo que quieras y ser lo que quieras ser, ya sea la modelo Barbie o la presidenta Barbie, y así son las cosas naturalmente.

Sin embargo, cuando no eres una Barbie, puede parecer más que un privilegio de Barbie. Este es, por supuesto, un cambio de perspectiva emprendido por la cineasta Greta Gerwig en su última película, que trae a la muñeca del título homónimo a El "mundo real" para buscar respuestas después de experimentar una crisis existencial inesperada, en un esfuerzo por convertirla en algo más profundo que un comercial de juguetes llamativo y exagerado disfrazado de éxito de taquilla en la pantalla grande. No es el único, pero es el más obvio, y tiene a la mayoría de los inexplicablemente vehementes detractores de la película fingiendo indignación por lo que consideran propaganda "despertada".

Es ciertamente cierto que “Barbie” está cargada del tipo de mensajes que los conservadores deploran. En el guión escrito por Gerwig y su socio Noah Baumbach, Barbieland existe a través de la imaginación de todos los niños que juegan con ella; todas las Barbie (y Ken) viven allí, pero la trama se centra en sus iteraciones "estereotipadas" (Margot Robbie y Ryan Gosling), quienes se ven obligados a enfrentar las diferencias entre la utopía idealizada en la que viven y la todavía lejos de serlo. realidad perfecta habitada por sus homólogos humanos. Barbie, abatida, sólo quiere volver a casa, pero Ken, después de ver un mundo donde los hombres parecen estar a cargo, se inspira con una idea diferente.

Esa premisa, no hace falta decirlo, le da a la película de Gerwig mucho material para el comentario cultural, y no contiene nada, ya que persigue a todos los objetivos habituales con alegría palpable, por lo que no sorprende que un segmento de la población se alborote por ello. .

Lo que es menos predecible, tal vez, es el nivel de animosidad dirigido hacia la película desde sectores que uno podría esperar que la acepten. Esto podría deberse a la imagen “problemática” de Barbie, que se ha visto empañada por décadas de críticas por parte de quienes (no sin razón) han criticado a la icónica muñeca –y a la empresa que la vende– por promover una imagen idealizada y definida por los hombres. de la feminidad y socavando su supuesto mensaje de empoderamiento femenino al crear simultáneamente una imagen corporal poco realista para las mujeres; Seamos realistas, hay personas a las que simplemente no les gusta Barbie, por estas razones y más, y nunca les gustará.

Sin embargo, dado que la película aborda claramente estas controversias e intenta superarlas hacia una manifestación más evolucionada del personaje, uno podría verse tentado a sospechar que hay algo más detrás de la aversión por la idea misma de esta película que obliga a tanta gente a menospreciarla. él, espontáneamente, en sus redes sociales; y desde entonces –a pesar de las desdeñosas declaraciones de superficialidad que se le han hecho, sin ser vista, desde el momento en que fue anunciada– “Barbie” va mucho más allá de las construcciones políticas previsiblemente divisivas de las llamadas “guerras culturales” en su ambicioso esfuerzo. ser más de lo que esperamos que sea, es posible que podamos profundizar más en esas profundidades por razones más reveladoras.

Para empezar, el camino que toma la película para resolver su trama pasa por muchas ideas que, para los más hastiados, pueden parecer fácilmente palabrería. La idea de que la empatía, que ver cómo es caminar en los zapatos de otra persona, puede solucionar todos los problemas del mundo es tan familiar que puede reducirse a un tópico; Es un sentimiento bonito, pero sólo el más romántico de los optimistas puede estar convencido de su credibilidad y quizás también de su sinceridad. Teniendo esto en cuenta, es fácil comprender por qué tantas personas podrían estar predispuestas a resistirse a su atractivo cálido y acogedor.

Luego está el muy publicitado aluvión de referencias cinematográficas (influencias a las que Gerwig ha dado una vertiginosa y exhaustiva variedad de descarados guiños en su tratamiento de “Barbie”) que surgen como “huevos de Pascua” de la primera secuencia de la película y continúan sin pausa. durante prácticamente todo su tiempo de ejecución. Desde “2001: Una odisea en el espacio” hasta “Blade Runner”, desde “El mago de Oz” hasta “Los paraguas de Cherburgo”, elabora con amor sus imágenes para evocar conexiones con innumerables clásicos que han dado forma a su evidente y magistral comprensión de la humanidad. cine, pero si bien pueden ser divertidos para los cinéfilos con predilección por las trivialidades, no hacen mucho para el espectador promedio que probablemente nunca ha visto nada dirigido por Jacques Demy, y mucho menos tiene conocimiento sobre su uso del color en la creación del “aspecto” de una película. De hecho, saber que tales elementos existen podría incluso parecer un esnobismo intelectual excluyente.

Aún así, después de experimentar la película de primera mano, esas razones nos parecen excusas, racionalizaciones para justificar una aversión que surge de algo más personal –y tal vez más incómodo– que las posturas retóricas que a menudo dominan el análisis y el juicio de una película o cualquier otro. forma de arte. Aunque no se disculpa por su adhesión a los ideales feministas ni a ninguno de los otros principios “liberales” fundamentales que abraza, se atreve a sugerir que los problemas del mundo no pueden resolverse simplemente alterando el status quo. Puede que haya bastantes chistes divertidos sobre "El Patriarcado" involucrados, pero cuando termina, "Barbie" plantea que derribarlo no es realmente la solución que muchos de nosotros imaginamos que es, y ese es un concepto aterrador. para cualquiera que esté interesado en la idea de que lo es.

Hay muchos momentos destacados en “Barbie” – y sí, puedes tomar eso como una recomendación inequívoca de la película, que para nosotros se siente como una “bomba de la verdad” disruptiva lanzada a través de un caballo de Troya de color caramelo al corazón de la cultura contemporánea. y presenta actuaciones soberbias y variadas, no sólo de sus dos protagonistas a menudo difamados, sino también de una gran cantidad de miembros secundarios del reparto como Kate McKinnon y America Ferrera (quien merece ser una de las favoritas en la carrera por el Oscar del próximo año gracias a una monólogo espectacular por sí solo), pero dos de ellos capturan su esencia. El primero es un intercambio tipo “Forrest Gump” entre Barbie y una anciana en un banco del parque, que consta de sólo seis palabras; Según se informa, el estudio quería eliminarlo, pero Gerwig, que insistió en tener un control creativo total antes de aceptar el trabajo, se negó a ceder. Es un toque trascendente y su poder va más allá de las palabras, así que lo dejaremos así.

El segundo llega más tarde, cuando Barbie le confía a una mujer misteriosa (Rhea Perlman) con la que se encuentra aparentemente por casualidad que "el mundo real no es lo que pensé que era", a lo que recibe la respuesta: "Nunca lo es".

Si se puede decir que “Barbie” tiene una moraleja, probablemente sea esa, y es una que ha sacudido a la humanidad hasta lo más profundo durante siglos.

¿Es de extrañar que tantos seres humanos, creyéndose seguros en sus ilusiones personales incuestionables y preprogramadas, no quieran escuchar ese mensaje?

Pero que sabemos? El gusto, como la vida misma, es una experiencia subjetiva y la única opinión que importa (al menos para ti) es la tuya.

Nuevos estrenos documentales en OutFest

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Sabemos que has oído hablar de Studio 54, el icónico club de baile de la ciudad de Nueva York que se convirtió casi en sinónimo del estilo de vida hedonista de la escena disco de los años 70, pero antes de que abriera sus puertas ya existía Studio One, y si has oído hablar De ese, probablemente eres de Los Ángeles.

Fundado en 1974 por el copropietario Scott Forbes en el espacio de arriba sobre una tienda de muebles, el club nocturno de West Hollywood fue un punto de moda en Los Ángeles durante el apogeo de los años disco hasta su cierre en 1993. Concebido explícitamente como un refugio para hombres homosexuales. era conocido por su clientela joven, sus clientes famosos y su ambiente notoriamente hedonista; se volvió aún más atractivo con la inauguración de “The Backlot”, un lugar de actuación adyacente que contó con algunos de los actos más importantes de la época.

La historia de Studio One ha estado enterrada y descuidada durante mucho tiempo, eclipsada y superada por la saga plagada de escándalos de su primo más famoso de Manhattan, pero gracias al cineasta Marc Saltarelli, finalmente está recibiendo su merecido como parte fundamental de la historia cultural queer. . Su película – “Studio One Forever”, un documental que narra el reinado decadente del club nocturno como reina de la vida nocturna queer en Los Ángeles y sigue el esfuerzo por preservar el edificio que lo albergaba – tendrá su estreno mundial en el OutFest de Los Ángeles el 18 de julio, y Si bien puede que aún no esté disponible para un público más amplio, seguramente llamará la atención como un documento importante de una era en la que la cultura queer estaba irrumpiendo –a través del fenómeno de la música disco– en la corriente principal.

Enmarcado por la historia moderna de antiguos patrocinadores, ahora líderes de la comunidad local, que encabezaron la campaña para salvar el edificio histórico del club de la demolición, es una exploración de amplio alcance del legado de Studio One que se basa en gran medida en material de archivo, reminiscencias personales y retrospectiva. , desenterrando una historia que tuvo lugar mayoritariamente en secreto, o en la medida de lo posible para un club nocturno frecuentado por algunas de las estrellas más importantes de Hollywood, tanto nuevas como antiguas. Es un reloj fascinante, lleno de entrevistas con celebridades adyacentes a Studio One como Bruce Vilanch, Chita Rivera, Thelma Houston, Melissa Rivers, Julie Budd y más, y cargado de curiosidades anecdóticas junto con el testimonio corroborativo que les da el peso de la experiencia vivida; más que eso, ofrece una mirada microcósmica a la vida queer desde la vertiginosa libertad de los años 70, sexualmente liberados, hasta la aniquilación de la era del SIDA y más allá, hasta una época en la que los sobrevivientes de esa época se han empoderado para reclamar su propia historia, algo que se convierte en casi visceral por el extenso registro fotográfico de la vida dentro del club, gran parte de ella fue posible gracias a un descubrimiento casual, cubierto en la película, que no revelaremos.

Hablando con Saltarelli antes del debut de su película, supimos que aunque había estado en Studio One después de mudarse a Los Ángeles en 1984, su interés en hacer una película sobre ello comenzó en 2018, cuando un amigo y ex productor de Backlot le habló de una reunión. fiesta para el club que se planeó para ayudar a conseguir apoyo para una campaña de “Salvar la fábrica”, con la esperanza de persuadir a los funcionarios de la ciudad de West Hollywood de que valía la pena salvar el espacio que una vez albergó el legendario club. Le sugirieron que la historia sería un buen documental.

“Había estado en el club cuando tenía 19 años, después de mudarme de Illinois, y tenía esos recuerdos, pero no tenía idea de lo que había sucedido antes o después de llegar allí”, nos dice Saltarelli. “Entonces comencé a hacer la investigación, y las mujeres que iniciaron 'Save the Factory' habían elaborado un documento histórico detallado de 30 o 40 páginas (en realidad obtuvo el 'estado de preservación histórica' oficial) donde entrevistaron a una Mucha gente a la que terminaría entrevistando más tarde. Cuando leí eso, pensé: 'Vaya, aquí hay una historia increíble que no mucha gente conoce'. Ciertamente no lo hice”.

Por supuesto, hubo desafíos de financiación y otros obstáculos logísticos que tuvieron que resolver antes de poder comenzar el proyecto, pero gracias a un aplazamiento de la reunión planificada, el cineasta pudo organizar todo a tiempo para filmar esa ocasión. incluidas extensas entrevistas con antiguos clientes que hacían cola para entrar, como en los viejos tiempos.

También obtuvo acceso a películas dentro del edificio, lo que le dio la oportunidad de reunir a un grupo central de antiguos clientes habituales de Studio One, incluido John Jude Duran, miembro del Concejo Municipal de West Hollywood y veterano de múltiples mandatos como alcalde de la ciudad, para recordar ante la cámara. dentro del espacio en el que habían pasado tantas horas de sus vidas más jóvenes.

"Pudimos filmar al camarero principal del club, Michael Koth, en su antigua estación", dice, "lo cual fue realmente sorprendente". Koth, que solía poner líneas de cocaína complementaria en la barra para los clientes, ahora es un respetado profesional de la salud y el bienestar.

El flagrante fomento del consumo de drogas en Studio One es sólo uno de los aspectos poco agradables que Saltarelli incluye en su documental, aunque no quita nada a la alegre nostalgia que lo infunde. Otra es la inevitable discusión sobre las bien documentadas políticas de admisión racistas y clasistas del club, que generaron controversia y protestas incluso en el ambiente "previo al despertar" de los años 1970 y 1980.

“La visión de Scott Forbes era tener un lugar sólo para hombres blancos homosexuales”, nos dice Saltarelli. “No lo dijo abiertamente, pero tenía esta política de 'no usar zapatos abiertos' como una forma de mantener alejadas a las mujeres, y no quería que la gente de color fuera parte de ella. Tenían que tener tres formas de identificación, a veces era simplemente ridículo.

“Scott tenía sus defectos. No creo que fuera racista, pero era un hombre de negocios y fue una decisión de negocios, y los tiempos eran diferentes. No es para criticar a Scott, pero no quería pasarlo por alto, así fue. Algunas personas lo niegan, pero, francamente, eso se debe a que son blancos y nunca vieron que esto sucediera”.

Aunque “Studio One Forever” tiene un enfoque intrínsecamente local, a Saltarelli le complace encontrar entusiasmo por su proyecto en todo el país y cree entender por qué toca la fibra sensible de tanta gente que nunca puso un pie en el club. en sí mismo. “Es una historia universal para nuestra comunidad queer”, reflexiona. “Representa nuestra juventud, nuestra mayoría de edad, resuena no sólo con tiempos increíblemente felices sino también con la tragedia de los años ochenta que aún vive con nosotros. Todas esas emociones y recuerdos regresan y la mayoría de las personas en estas fotografías, desafortunadamente, ya no están con nosotros.

“También me gusta pensar que es una forma de honrar a esas personas que dieron tanto. No pidieron morir, pero gracias a ellos nos movilizamos como comunidad y es por eso que hemos podido lograr más derechos, aunque algunas personas estén tratando de borrarlos ahora”.

En verdad, los espacios seguros queer como Studio One también están siendo borrados, incluso en la meca LGBTQ+ de West Hollywood, lo que hace que la historia que relata la película de Saltarelli sea aún más valiosa.

Un gran conjunto de actores en una historia que toma giros impredecibles y absurdos.

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Es difícil ser fanático de Wes Anderson.

Si eres uno, sabes exactamente de qué estamos hablando. Amar el trabajo del cineasta más excéntrico de Estados Unidos significa aceptar el hecho de que siempre habrá un número significativo de personas que no lo soportarán, y que cualquier esfuerzo por explicar por qué te gustan sus películas a alguien a quien no le gusta tiene casi tanto efecto. Hay mucho potencial para generar divisiones como conversación sobre política, aunque hay que reconocer que lo que está en juego es mucho menor.

También significa soportar el hecho de que su peculiar estética como director, que ha sido parodiada durante décadas por programas de televisión como “Los Simpson” y “SNL” y se ha convertido en la inspiración de una explosión masiva de parodias asistidas por IA en todas las redes sociales. – está ahora consagrado en la cultura popular como un blanco fácil para la sátira, casi con certeza conocido por más personas como el blanco de una broma que como el trabajo elegante de un autor meticuloso. Sin embargo, para ser justos, los chistes suelen ser divertidos y muchos de esos envíos fueron hechos por los propios fanáticos de Anderson, rindiendo homenaje al estilo cinematográfico singularmente feérico que aman.

La última película del director, “Asteroid City”, seguramente proporcionará material considerable para debates acalorados y sarcasmo de alto concepto; de hecho, es una “película de Wes Anderson” tal que a veces da la sensación de que se está burlando de sí misma, y ​​si eso es algo bueno o no puede depender de cómo se siente en general acerca de las películas de Wes Anderson.

Explicarlo es complicado, pero lo intentaremos.

La mayor parte de la película tiene lugar en una ciudad turística ficticia en el suroeste de Estados Unidos, construida alrededor del lugar del impacto de un antiguo meteorito, en 1955; narra un evento inesperado y misterioso que ocurre allí durante una convención de astrónomos jóvenes, así como el impacto posterior que tiene en sus vidas. Sin embargo, la ciudad ficticia en sí también es ficticia: es creación del célebre dramaturgo de mediados de siglo Conrad Earp (Edward Norton), y la historia que estamos viendo es, de hecho, su obra más famosa; La película narra simultáneamente esa saga de fondo, contada a través de una serie de antología televisiva antigua, completa con “recreaciones” de episodios cruciales que tuvieron lugar durante la creación y producción de la obra en sí.

En cuanto a los personajes, la atención se centra en el ex fotógrafo de guerra Augie Steenbeck (Jason Schwartzman), cuyo genio hijo adolescente (Jake Ryan) será homenajeado en la convención. También está una famosa estrella de cine (Scarlett Johansson) y su hija (Grace Edwards), otra homenajeada. Otros en la mezcla incluyen al suegro desaprobador de Augie (Tom Hanks), un general del ejército que actúa como anfitrión del evento (Jeffrey Wright), el tranquilo mecánico de la ciudad (Matt Dillon), el cortés y brillante astrónomo a cargo del observatorio local. (Tilda Swinton) y el astuto gerente (Steve Carrell) del único motel de la ciudad, donde se aloja todo el séquito visitante. Fuera de la acción, por así decirlo, también conocemos al talentoso director de escena (Adrien Brody) y al maestro de interpretación pionero (Willem Dafoe), que ayudó a darle vida a la obra, y al austero pero amigable presentador de televisión (Bryan Cranston), que aparentemente lo preside todo. Y estos son sólo los más destacados de las dos docenas de personajes importantes de la película.

Todo eso parece mucho, incluso para una película de Wes Anderson, que normalmente presenta un gran conjunto de actores en una historia que toma giros impredecibles (y a menudo absurdos). Si se tiene en cuenta el elemento de homenaje cursi a las nostálgicas películas de ciencia ficción de antaño, con ovnis y todas las teorías de conspiración extraterrestre que llevan consigo, se hace evidente que hay muchas capas aquí.

Sin embargo, esos elementos son simplemente una premisa, una presunción que establece las reglas de un juego que procede a obtener aún más “meta” a partir de ahí. Los actores aparecen en roles duales, tanto como su personaje en la narrativa central como como los artistas ficticios de la vida real que los retratan; hay una inversión de estilos que parece encajar sobre sí misma, en la que una obra de teatro se vive como una película contemporánea, la historia “verdadera” de dicha obra de época se configura como un documental de televisión de época y se presentan supuestos acontecimientos de la vida real. como escenas de una obra de teatro, un patrón de salón de espejos que sugiere la cuarta perspectiva invisible de una audiencia de la vida real, es decir, nosotros, viendo la película misma. Resulta que la película de Anderson tal vez esté destinada a tratar sobre nosotros, todo el tiempo.

Incluso si esa interpretación es acertada, todavía hay mucho espacio para el estilo característico de Wes Anderson, en este caso llevado a nuevas alturas de exageración; la familiar paleta de colores pastel ahora está hipersaturada, evocando postales antiguas teñidas a mano o el escabroso tecnicolor del cine de los años cincuenta; esa conexión se ve subrayada por innumerables guiños a películas icónicas de la época, incluida la imagen de Johansson como una rubia helada inspirada en Hitchcock y una diosa sexual terrenal al estilo Ava Gardner, con una pizca de Liz Taylor en buena medida.

Luego está el hecho ineludible de su ambientación de mediados del siglo XX, que evoca no sólo el tipo de cursi "pánico alienígena" que las películas de ciencia ficción "Asteroid City" satirizan cariñosamente, sino también la fuerte corriente de trauma mundial que surgió en las artes y la cultura. de la época. Después de dos guerras mundiales y una bomba que introdujo la amenaza permanente del fin del mundo nuclear en su psique, la humanidad estaba (comprensiblemente) preocupada por encontrar significado en un universo que de repente se sentía indiferente, y los artistas de la época lideraron la búsqueda. Dado que el desconcertante reensamblaje posmoderno de Anderson de estos elementos se centra en una obra maestra teatral imaginada que surgió dentro de ese espíritu de la época, es difícil no ver una conexión con nuestro propio tiempo, cuando nuevas amenazas diarias nos obligan a soportar un estado similar de Crisis existencial perpetua. En cualquier caso, la familiar mezcla de Anderson de fantasía precoz y nostalgia melancólica está teñida esta vez con una tristeza más profunda, incluso si efectivamente se contrarresta con un corazón alegre.

Lo que nos sorprende a un nivel más personal, sin embargo, es el sutil pero significativo núcleo queer que surge de la creación de la obra de teatro dentro de la película por un genio trágico al estilo Tennessee Williams, cuyo supuesto queer se confirma en una escena demasiado exquisita. orquestado para estropear. Parece un toque menor, pero en lugar de un esfuerzo simbólico de inclusión, se siente como un guiño a la influencia no reconocida de los artistas queer, cuyo estatus de outsiders a lo largo de la historia les ha otorgado un ojo de observador y ha desempeñado un papel importante al mostrarle al resto de la sociedad. las cosas que podría tener problemas para ver por sí mismo, como siempre lo han hecho los mejores artistas.

Podríamos decir más sobre esta película: las actuaciones sublimes, que manejan una riqueza de rango emocional dentro de los parámetros "andersonianos" de la expresión inexpresiva del elenco; el paisaje increíblemente kitsch hecho a mano; el humor autorreferencial que burbujea bajo gran parte de lo que aparece en la pantalla, pero no lo haremos. Si eres fanático, querrás revisar los detalles por ti mismo.

Si no es así, sabemos que nada de lo que podamos decir lo convencerá de verlo de todos modos, y probablemente sea lo mejor.

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